圖：楊嘉輝的作品《消音狀況#22：消音的柴可夫斯基第五交響曲》片段；林慧潔的作品《我心自在》片段 作者供圖

　　在香港視覺藝術中心的講堂裏，偌大的銀幕上放映着德國科隆的弗羅拉交響樂團（Flora Sinfonie Orchester）演繹柴可夫斯基《第五交響曲》的短片，但是擴音器播放出來的卻非交響樂曲，而是樂團指揮和樂師們在演出時呼吸，翻樂譜或按樂器鍵盤的聲音。這些窸窸簌簌、嘎嘎嚓嚓的「雜音」構成了香港聲音藝術家楊嘉輝的《消音狀況#22：消音的柴可夫斯基第五交響曲》，是其個展「配器法」中的兩組作品之一。

　　《消音狀況#22》讓我想起音樂藝術大師約翰．凱奇（John Cage，一九一二至一九九二）。凱奇是美國先鋒派古典音樂家，他最著名的作品是創作於一九五二年的《4分33秒》，改寫了藝術史。此曲分三個樂章，沒有指定演奏樂器，而演奏者由始至終並未演奏出任何一個音。倘若演奏者使用鋼琴，則全程只會發出開合琴蓋、計時、擦汗，甚至是深呼吸等動作的聲響。凱奇作此樂曲，旨在消除音樂與生活之間的界限，讓我們明白世界上根本沒有寂靜這回事，因為日常生活中的任何聲音都可以構成音樂。

　　儘管楊嘉輝師從保羅．蘭斯基（Paul Lansky），但我以為他在聲音藝術的探索上頗受凱奇的啟發。在《消音狀況#22》中，他刻意把觀聽者所期盼的起伏旋律給消隱了，重新釋放出受眾期盼中本應消隱的邊緣化、本質性聲音（我們一般稱之為「雜音」），如此具有巨大落差的視聽布局帶來一種引發反思的藝術張力，不但「挑戰觀眾對日常事物、故事及空間的認知」（視覺藝術中心館長連美嬌語），而且發揚了聲音藝術中批判傳統音樂的核心理念。

　　同樣是布置視聽落差，另一位香港藝術家林慧潔也有獨到的表現，其錄像與聲音裝置展覽「我心自在」操作起來要比「配器法」簡易得多，但在概念的表達上更加完整，也更加考驗受眾的耐性。

　　fiXER展場約莫五至六平方米大小，一端容納兩張沙發、一張茶幾、一張小圓桌、投影機和擴音器，另一端是可供投影的白牆，空間局促逼仄。觀眾坐沙發上，在喝着由導賞員泡製的濃厚咖啡的同時，一面翻閱小圓桌上林慧潔的手寫小本子，一面觀看錄像《和弦／不和弦》。錄像無他，始終只見海面波瀾持續盪漾的畫面，從擴音器裏初時尚能聽到海浪聲，但對應着小本子上如「火車來了嗎」、「跑，繼續跑」等詞句，海浪聲很快就變成了火車到站離站、乘客跑動、開關門、抖動鑰匙等種種人為「雜音」，直至結束。

　　必須指出的是，落差不僅出現在視覺、聽覺和嗅覺的「錯配」上，也見諸是次展覽的種種規定（亦是限制）中，如必須線上預約，看展時間規定在七個晚上七點半至九點半兩個時段裏，每時段只招待三名觀眾，一反策展盡量方便觀眾、以接納最多人次為主的原則，營造了一個與藝術家或受眾的自我相沖突的環境。

　　面對這落差布局，受眾不管是深感突兀，無從接受，抑或自行調適，忘我地融入其中，都成了林慧潔不協調文本的一部分。